Marty Supreme – Der Mann, der unbedingt gewinnen mus

„Marty Supreme“ ist einer dieser Filme, bei denen man schon nach wenigen Minuten merkt, dass hier niemand vorhat, es sich bequem zu machen. Josh Safdies Tischtennisfilm ist schnell, laut, nervös, manchmal geradezu fiebrig – und hinter seiner Sportgeschichte steckt etwas viel Größeres: das Porträt eines Mannes, der den Unterschied zwischen Ehrgeiz und Besessenheit längst nicht mehr kennt.

Im Mittelpunkt steht Marty Mauser, gespielt von Timothée Chalamet mit einer Energie, die jederzeit kurz davorsteht, den Film zu sprengen. Marty will nicht einfach gut sein. Er will der Beste sein. Und zwar sofort. Anerkennung, Geld, Frauen, Status – alles scheint für ihn nur eine weitere Partie zu sein, die gewonnen werden muss. Selbst dann, wenn er dabei Menschen vor den Kopf stößt, Vertrauen verspielt oder sich selbst ins Abseits manövriert.

Safdie interessiert sich dabei kaum für die klassische Sportfilm-Dramaturgie. „Marty Supreme“ ist kein Film, in dem ein sympathischer Außenseiter trainiert, Rückschläge überwindet und am Ende über sich hinauswächst. Marty ist viel widersprüchlicher. Er kann charmant und widerlich, clever und vollkommen idiotisch, verletzlich und gnadenlos selbstbezogen sein. Der Film verlangt deshalb nicht, dass man ihn mag. Er verlangt nur, dass man ihm folgt.

 

Und genau das macht Chalamets Darstellung so stark. Er spielt Marty nicht als eindimensionalen Egomanen, sondern als jemanden, der offenbar permanent vor der eigenen Bedeutungslosigkeit davonläuft. Jede Bewegung, jeder Satz, jeder Blick scheint zu sagen: Seht her, ich bin jemand. Schaut nicht weg. Das macht die Figur gleichzeitig komisch, anstrengend und erstaunlich traurig.

Dazu kommt die unverkennbare Handschrift von Josh Safdie. Die Kamera klebt an den Figuren, Räume wirken zu eng, Gespräche geraten außer Kontrolle und aus scheinbar nebensächlichen Situationen entsteht plötzlich eine unglaubliche Spannung. Selbst ein Tischtennismatch bekommt bei ihm die Intensität eines Thrillers. Der Ball fliegt über die Platte, aber eigentlich geht es um etwas anderes: um Stolz, Demütigung, Begehren und die panische Angst davor, nicht zu genügen.

Besonders faszinierend ist, wie „Marty Supreme“ seinen Helden immer wieder zwischen Größenwahn und Verletzlichkeit pendeln lässt. Marty glaubt an seine eigene Legende, noch bevor es überhaupt eine gibt. Vielleicht ist genau das sein größtes Talent – und gleichzeitig sein größter Fluch. Er besitzt diesen beinahe unerschütterlichen Glauben daran, dass ihm die Welt etwas schuldet. Und je länger der Film läuft, desto deutlicher wird, wie viel Energie es ihn kostet, diese Illusion aufrechtzuerhalten.

Dabei ist „Marty Supreme“ auch ein Film über Amerika: über Aufstieg, Wettbewerb und die Vorstellung, dass jeder Mensch sein eigenes Schicksal in die Hand nehmen kann, wenn er nur skrupellos genug dafür kämpft. Safdie macht daraus keine klassische Erfolgsgeschichte. Er zeigt vielmehr die hässlichen Seiten dieses Versprechens. Was passiert, wenn aus Ehrgeiz eine Sucht wird? Wenn Gewinnen nicht mehr bedeutet, etwas erreicht zu haben, sondern nur noch, nicht verloren zu haben?

Das Entscheidende ist: „Marty Supreme“ ist trotz seiner fast zweieinhalb Stunden niemals behäbig. Der Film hat einen Puls. Er stolpert, rast, schreit und lacht. Manche Szenen fühlen sich an, als würden sie jeden Moment entgleisen – und genau darin liegt ihr Reiz.

Man muss Marty nicht mögen. Vielleicht soll man das sogar nicht. Aber man kann kaum den Blick von ihm abwenden.

„Marty Supreme“ ist kein klassischer Sportfilm. Es ist eine fiebrige Charakterstudie über Ehrgeiz, Größenwahn und die verzweifelte Suche nach Bedeutung. Ein Film, der einen nicht unbedingt umarmt, sondern am Kragen packt.

Bemerkenswert ist auch die Klammer, die „Marty Supreme“ von der ersten bis zur letzten Szene spannt. Der Film beginnt mit der Zeugung eines Kindes und führt diesen Gedanken bis zur Geburt am Ende konsequent weiter. Dazwischen liegt Martys rastloser Weg durch Ehrgeiz, Begehren, Selbstüberschätzung und den unbedingten Willen, zu gewinnen. Anfang und Ende gehören zusammen – und plötzlich bekommt die gesamte Geschichte dazwischen eine zusätzliche Bedeutung. Aus dem scheinbar ziellosen Chaos entsteht ein geschlossener Kreis: Der Film beginnt mit der Entstehung von Leben und endet mit einem neuen Leben. 

„Disclosure Day – Der Tag der Wahrheit“: Die Wahrheit ist leider schon bekannt

Mit „Disclosure Day – Der Tag der Wahrheit“ versuchen Steven Spielberg und Drehbuchautor David Koepp, den UFO-Mythos als modernen Verschwörungsthriller aufzuziehen. Im Mittelpunkt steht Margaret Fairchild, eine Wettermoderatorin in Kansas City, die während einer Live-Sendung mit einem unerklärlichen Phänomen konfrontiert wird. Für sie ist der Vorfall mehr als nur eine bizarre Nachricht: Er könnte die große journalistische Chance sein, die sie bislang vergeblich gesucht hat.

Parallel dazu kämpft der ehemalige Cybersicherheitsexperte Dr. Daniel Kellner für die Veröffentlichung brisanter Informationen. Nach seiner Haftstrafe wegen eines Hackerangriffs arbeitet er für WARDEX, eine geheim operierende Organisation, die Hinweise auf UFOs und außerirdisches Leben sammelt. Doch deren Chef Noah Scanlon verfolgt einen gegensätzlichen Kurs: Das Wissen soll weiterhin unter Verschluss bleiben.

Damit sind die Zutaten eigentlich vielversprechend: eine Journalistin auf der Suche nach der Wahrheit, eine geheime Organisation, staatliche Vertuschung, ein Insider mit belastendem Wissen und natürlich die Frage, ob die Menschheit tatsächlich nicht allein im Universum ist.

Nur leider hat man das alles schon sehr oft gesehen: „Disclosure Day“ wirkt über weite Strecken wie eine Zusammenstellung aus Versatzstücken früherer Science-Fiction- und Mysteryfilme. Besonders auffällig sind die Parallelen zu „Unheimliche Begegnung der dritten Art“ („Close Encounters of the Third Kind“), aber auch zu „Akte X“: Das unerklärliche Ereignis, die geheimen Akten, die Organisation im Hintergrund, die Vertuschung und die Suche nach einer Wahrheit, die offiziell nicht existieren darf.

Das Problem ist nicht, dass ein Film bekannte Motive verwendet. Science-Fiction lebt schließlich davon, vorhandene Ideen weiterzuentwickeln. Hier fehlt jedoch häufig genau dieser nächste Schritt. Statt dem UFO-Thema eine wirklich neue Perspektive zu geben, werden bekannte Versatzstücke neu arrangiert. Selbst manche Ideen aus dem eigenen filmischen Kosmos wirken eher wiederverwendet als weitergedacht.

 

Dabei hätte gerade die Ausgangssituation Potenzial. Eine Wettermoderatorin, die zufällig Zeugin eines möglicherweise historischen Ereignisses wird und sich vom Gesicht einer Nachrichtensendung zur ernsthaften Investigativjournalistin entwickeln möchte, könnte eine interessante Perspektive auf das Thema bieten. Auch der Konflikt zwischen Kellner und Scanlon – Wahrheit öffentlich machen oder Wissen aus vermeintlich guten Gründen geheim halten – bietet Stoff für einen spannenden moralischen Konflikt.

Doch statt diese Fragen konsequent auszureizen, setzt der Film stark auf die bekannten Zutaten des UFO-Genres. Das sorgt zwar für Atmosphäre und Wiedererkennung, aber eben auch für ein erhebliches Déjà-vu-Gefühl.

Am Ende bleibt deshalb vor allem die Frage: Was hat „Disclosure Day“ diesem Thema eigentlich noch hinzuzufügen? Die Antwort fällt ernüchternd aus. Wer UFO-Verschwörungen, geheime Regierungsakten und die Suche nach außerirdischem Leben mag, bekommt solide Genre-Unterhaltung. Wer allerdings auf eine echte neue Erkenntnis oder einen überraschenden Gedanken zum Thema wartet, dürfte enttäuscht sein.

 

Während „Disclosure Day“ die Veröffentlichung geheim gehaltener UFO-Informationen zum zentralen Thema macht, hat die US-Regierung tatsächlich damit begonnen, weitere UFO-/UAP-Unterlagen öffentlich zugänglich zu machen. Das verleiht dem Film zumindest außerhalb der Leinwand eine ungewöhnliche Aktualität.

Ob das Zufall ist? Wahrscheinlich sollte man hier vorsichtig sein. Einen direkten Zusammenhang zwischen den Veröffentlichungen und dem Film gibt es nicht. Trotzdem ist es bemerkenswert, dass ein Film über den großen Moment der „Disclosure“ ausgerechnet in einer Zeit erscheint, in der die USA ihre eigenen UFO-Akten stärker in den Mittelpunkt der Öffentlichkeit rücken.

Und genau dadurch bekommt „Disclosure Day“ eine zusätzliche, fast schon ironische Ebene: Der Film erzählt von der Frage, was passiert, wenn die Wahrheit über UFOs endlich ans Licht kommt – während die reale Welt gleichzeitig immer mehr Dokumente, Videos und Berichte zu bislang ungeklärten UAP-Fällen veröffentlicht. Die Medien scheinen daran wenig Interesse zu haben.

 

„Furious“ – Eine Serienkillerin auf Rachefeldzug

Serienmörderinnen sind im Thriller-Genre noch immer die Ausnahme. „Furious“ dreht deshalb bereits mit seiner Grundidee vertraute Perspektiven um: Hier wird nicht eine Frau Opfer eines männlichen Killers, sondern eine junge Frau macht gezielt Jagd auf Männer. Die achtteilige Thrillerserie erzählt eine wütende, unbequeme Geschichte über sexuelle Gewalt, Machtmissbrauch und die Frage, ob persönliche Rache jemals zu Gerechtigkeit werden kann.

Catherine (Lola Petticrew) geht bei ihren Morden methodisch vor. Sie sucht ihre Opfer in deren Wohnungen auf, setzt sie außer Gefecht und tötet sie erst nach längerer Zeit. Ihre Opfer wählt sie nicht zufällig aus: Sie arbeitet eine Liste von Männern ab, die mit traumatischen Erfahrungen aus ihrer Jugend verbunden sind. Ihre Vergangenheit wird dabei Stück für Stück enthüllt.

Dabei macht „Furious“ Catherine nicht zur eindimensionalen Rachefigur. Ihre Geschichte erklärt ihre Wut, entschuldigt aber nicht ihre Taten. Gerade dieses Spannungsfeld ist eine der größten Stärken der Serie: Man kann ihre Motive nachvollziehen und ihre Methoden trotzdem ablehnen. Dadurch zwingt „Furious“ sein Publikum, über die Grenzen der Selbstjustiz nachzudenken.

Ihr gegenüber steht FBI-Agentin Alice (Emmy Rossum), die selbst von Gewalterfahrungen geprägt ist. Ihre Vergangenheit als Polizistin und ihre brutale Beziehung zu einem ehemaligen Kollegen wirken auch in ihre Ermittlungen hinein. So verbindet die Serie Täterin und Ermittlerin über ihre Erfahrungen mit Gewalt – beide ziehen daraus jedoch völlig unterschiedliche Konsequenzen. Während Alice auf das Rechtssystem setzt, nimmt Catherine das Recht selbst in die Hand.

 

Allerdings ist „Furious“ teilweise ausgesprochen brutal. Einige Szenen sind schwer auszuhalten und werden mit großer körperlicher Härte inszeniert. Die drastische Darstellung unterstreicht zwar die Wut der Serie, dürfte aber nicht für jedes Publikum geeignet sein.

Lola Petticrew trägt die Serie mit einer vielschichtigen Darstellung der Catherine, deren Wut und Verletzlichkeit ständig miteinander kollidieren. Emmy Rossum bildet als traumatisierte und keineswegs unerschütterliche Ermittlerin einen überzeugenden Gegenpol.

So ist „Furious“ weniger ein gewöhnlicher Serienkiller-Thriller als ein moralisches Minenfeld. Die Serie will Catherines Morde nicht einfach abfeiern, sondern fragt, warum ihre Opfer auf ihrer Liste landen und was passiert, wenn Menschen das Vertrauen in Institutionen verlieren, die sie eigentlich schützen sollen.

Nicht jede Wendung überzeugt gleichermaßen, manches wird etwas zu deutlich ausformuliert. Trotzdem nutzt „Furious“ sein Thriller-Konzept konsequent, um über Gewalt, Macht und die Grenze zwischen Vergeltung und Gerechtigkeit nachzudenken.

 

 

 

 

 

„The Shards“ – Glanz und Abgründe im Los Angeles der 1980er

Los Angeles, 1981: Geld, schöne Menschen, Partys, Sex und scheinbar grenzenlose Freiheit. Unter der glänzenden Oberfläche dieser privilegierten Welt lauert jedoch eine tiefe Leere. „The Shards“ verbindet Coming-of-Age-Drama, Mystery und Serienkiller-Thriller zu einer düsteren Geschichte über Obsession, Begehren und die Angst vor dem Unbekannten.

Im Mittelpunkt steht der 17-jährige Bret, gespielt von Igby Rigney. Als der geheimnisvolle Robert Mallory, verkörpert von Homer Gere, an seine Schule kommt, beginnt Bret, an dessen Identität und Motiven zu zweifeln. Gleichzeitig versetzt eine Serie brutaler Morde Los Angeles in Angst. Der unbekannte Täter erhält den Namen „The Trawler“.

Bret erzählt die Geschichte aus seiner eigenen Perspektive und wirkt dabei auffallend kontrolliert. Er beobachtet seine Umgebung genau, verschweigt Dinge und belügt sogar seine Freunde. Schon bald entsteht der Eindruck, dass er nicht nur gegenüber den anderen Figuren eine Rolle spielt, sondern auch gegenüber dem Publikum.

Igby Rigney macht diese Widersprüchlichkeit überzeugend sichtbar. Bret möchte selbstbewusst und welterfahren wirken, doch hinter dieser Fassade steckt ein unsicherer Jugendlicher, der versucht, seine Umwelt zu verstehen und zugleich seine eigene Identität zu finden. Je stärker ihn die Mordserie, seine schriftstellerischen Ambitionen und seine Fixierung auf Robert beschäftigen, desto deutlicher bekommt seine sorgfältig aufgebaute Selbstsicherheit Risse. Rigney spielt diese Entwicklung zurückhaltend und gerade deshalb wirkungsvoll.

 

Eine der interessantesten Ebenen der Serie ist dabei der Nihilismus, der unter der luxuriösen Oberfläche dieser Welt liegt. Die Jugendlichen haben scheinbar alles: Geld, Freiheit, Schönheit und gesellschaftliche Privilegien. Trotzdem wirkt vieles leer. Beziehungen werden zu Machtspielen, Freundschaften zu Inszenierungen und Identitäten zu sorgfältig gepflegten Fassaden. Die permanente Selbstinszenierung scheint vor allem dazu zu dienen, eine innere Orientierungslosigkeit zu verbergen.

Robert Mallory verstärkt dieses Gefühl. Seine Ankunft bringt nicht einfach nur eine mögliche Bedrohung in die Geschichte. Vielmehr scheint seine Präsenz die Dunkelheit sichtbar zu machen, die bereits zuvor vorhanden war. Die Angst vor dem Serienkiller trifft auf eine Gruppe junger Menschen, die selbst kaum weiß, wer sie sein möchte.

Besonders interessant ist Bret, weil er ständig zwischen Beobachter und Beteiligtem schwankt. Er möchte Schriftsteller werden und die Welt analysieren, ist aber gleichzeitig selbst Teil dieser privilegierten und teilweise selbstbezogenen Umgebung. Seine Suche nach der Wahrheit über Robert wird deshalb zunehmend auch zu einer Suche nach sich selbst. Die Serie verweigert ihm dabei einfache Antworten – und genau das macht seine Perspektive so ambivalent.

Zum Ensemble gehören unter anderem Kaia Gerber, Hayes Warner, Daniela Melchior und Evan Rachel Wood, die sich überzeugend in die stilisierte Welt der Serie einfügen.

Auch visuell überzeugt „The Shards“. Das Los Angeles der frühen 80er Jahre wird mit viel Liebe zum Detail zum Leben erweckt. Kleidung, Musik, Autos, Partys und luxuriöse Häuser erzeugen eine glamouröse Welt, die mit zunehmender Dauer immer bedrohlicher wirkt. Gerade dieser Kontrast zwischen Schönheit und Gewalt ist eine der großen Stärken der Serie.

Denn „The Shards“ ist teilweise ausgesprochen brutal. Einige Gewaltszenen sind drastisch und dürften nicht für jeden leicht auszuhalten sein. Die brutalen Morde wirken gerade deshalb so verstörend, weil sie in eine scheinbar makellose Welt eingebettet sind.

Ganz frei von Schwächen ist die Serie allerdings nicht. Manche Entwicklungen wirken überzogen, einzelne Figuren bleiben vergleichsweise oberflächlich und auch das Erzähltempo schwankt. Trotzdem entwickelt „The Shards“ eine bemerkenswerte Sogwirkung. Die Serie weiß sehr genau, welche Mischung sie ihrem Publikum bieten will: Glamour, Sex, Mystery, Gewalt und moralische Abgründe.

Am Ende bleibt der Nihilismus vielleicht als stärkster Unterton zurück. Die Figuren leben in einer Welt, in der scheinbar alles möglich ist – und gerade deshalb scheint nichts wirklich Bedeutung zu besitzen. Ihre Selbstinszenierung wird zum Versuch, diese Leere zu überdecken. Der Serienkiller ist damit nicht nur eine äußere Bedrohung, sondern wirkt beinahe wie ein Symbol für die Dunkelheit, die längst in dieser Gemeinschaft vorhanden ist.

„The Shards“ erzählt somit nicht einfach eine Serienkiller-Geschichte. Die Serie nutzt das Mystery- und Thriller-Element, um eine Welt zu untersuchen, in der Privilegien und grenzenlose Möglichkeiten nicht automatisch zu Glück oder Orientierung führen. Hinter dem Glamour lauert die Leere – und Bret muss erkennen, dass er selbst längst ein Teil davon ist.

  

 

 

 

 

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The Last House – Eingesperrt im eigenen Zuhause

Mit The Last House liefert Netflix einen Horrorfilm, der mich deutlich besser unterhalten hat, als es manche Kritiken vermuten lassen. Die Ausgangsidee ist dabei tatsächlich eine der großen Stärken des Films: Was wäre, wenn man plötzlich sein eigenes Zuhause nicht mehr verlassen könnte? Türen und Fenster lassen sich nicht mehr öffnen, selbst eingeschlagene Scheiben setzen sich wie von selbst wieder zusammen. Draußen scheint die Welt verlassen – und gleichzeitig lauert offenbar etwas Unheimliches vor dem Haus.

Allein diese Prämisse hat für mich gereicht, um sofort Interesse zu wecken. Besonders spannend fand ich dabei die Mischung aus klassischem Kammerspiel, Survival-Horror und der unterschwelligen Erinnerung an die Corona-Lockdowns. Eine Familie wird auf engstem Raum zusammengepfercht und muss nicht nur mit einer unbekannten Bedrohung außerhalb des Hauses, sondern auch mit der eigenen Angst, Hilflosigkeit und den schwindenden Vorräten umgehen.

Natürlich ist nicht alles perfekt. Gerade die Figuren hätten meiner Meinung nach etwas mehr Tiefe vertragen können. Die familiäre Beziehung zwischen Riley und Jason wirkt stellenweise weniger intensiv, als sie angesichts der Situation sein müsste. Auch die psychologische Entwicklung hätte für meinen Geschmack noch stärker herausgearbeitet werden können. Wer hier einen besonders tiefgründigen Horrorfilm erwartet, könnte deshalb enttäuscht sein.

 

Mich hat das allerdings weniger gestört, weil The Last House für mich vor allem durch seine Atmosphäre und die spannende Grundidee funktioniert. Die Frage, was sich außerhalb des Hauses befindet und warum die Familie überhaupt gefangen ist, erzeugt über weite Strecken eine angenehme Spannung. Dazu kommen einige interessante Details rund ums Überleben: Lebensmittel müssen rationiert werden, alltägliche Dinge werden plötzlich zu Problemen und selbst der Umgang mit dem eigenen Haustier bekommt eine unerwartet ernste Bedeutung.

Auch die beiden Hauptdarsteller tragen den Film. Wagner Moura verleiht Jason eine glaubwürdige Verzweiflung und vermittelt gut das Gefühl eines Vaters, der verzweifelt versucht, seine Familie zu beschützen. Greta Lee bleibt für mich etwas hinter ihren Möglichkeiten zurück, funktioniert in ihrer Rolle aber dennoch gut.

Was mir besonders gefallen hat, ist, dass der Film nicht versucht, ständig mit großen Schockmomenten um sich zu werfen. Stattdessen lebt er von der ungewöhnlichen Situation und der Frage, wie lange eine Familie in einer solchen Ausnahmesituation durchhalten kann. Sicher hätte man aus dem Konzept noch deutlich mehr herausholen können. Gerade die psychologische Seite hätte viel intensiver sein dürfen.

Trotzdem hatte ich mit The Last House meinen Spaß. Der Film ist vielleicht nicht der große, tiefgründige Horror-Hit, der aus seiner interessanten Prämisse das Maximum herausholt. Dafür bietet er eine spannende Ausgangssituation, eine beklemmende Atmosphäre und genügend Mystery, um mich bis zum Ende bei der Stange zu halten.

Mein Fazit: The Last House ist für mich ein solider und unterhaltsamer Horrorfilm mit einer richtig guten Grundidee. Nicht alles wird so konsequent ausgearbeitet, wie es möglich gewesen wäre, aber wer klaustrophobischen Horror und ungewöhnliche Survival-Szenarien mag, sollte dem Film eine Chance geben.

"Der Astronaut – Project Hail Mary": Ryan Gosling auf Rettungsmission im All

 

Mit Der Astronaut – Project Hail Mary bringt Regisseur Christopher Miller den Bestseller von Andy Weir auf die Leinwand. Im Mittelpunkt steht der Wissenschaftler und Astronaut Ryland Grace (Ryan Gosling), der allein ins All aufbricht, um die Ursache einer Bedrohung für die Sonne zu erforschen und damit das Überleben der Menschheit zu sichern. Während seiner Mission trifft er überraschend auf ein außerirdisches Wesen, das ein ähnliches Problem im eigenen Sternensystem lösen möchte. Grace nennt seinen ungewöhnlichen Begleiter Rocky. Trotz ihrer völlig unterschiedlichen Herkunft entwickelt sich zwischen beiden eine enge Zusammenarbeit. 

Der Astronaut – Project Hail Mary hat mich dennoch mit gemischten Gefühlen zurückgelassen. Der Film beginnt vielversprechend und weckt schnell Interesse, verliert im weiteren Verlauf jedoch deutlich an Tempo.

 

Vor allem der Mittelteil zieht sich unnötig in die Länge. Einige Szenen wirken gestreckt und bremsen den Erzählfluss, wodurch die Spannung immer wieder nachlässt. Gerade bei einem Science-Fiction-Abenteuer hätte ich mir eine straffere Inszenierung gewünscht.

Ein weiterer Kritikpunkt ist die für mich nur wenig überzeugende Weltraumatmosphäre. Obwohl die Handlung größtenteils im All spielt, kommt das Gefühl von Einsamkeit, Größe und Faszination des Weltraums nur selten auf. Dadurch bleibt der Film überraschend bodenständig und schöpft sein visuelles Potenzial nicht vollständig aus.

Besonders gelungen sind dagegen die Szenen zwischen Ryland Grace und Rocky. Ihre Freundschaft entwickelt sich glaubwürdig, ist oft humorvoll und sorgt gleichzeitig für die emotionalsten Momente des Films. Die Chemie zwischen den beiden Figuren trägt den Film über weite Strecken und macht ihn trotz seiner Längen sehenswert.

Auch die Besetzung hat mich nicht vollständig überzeugt. Insbesondere Sandra Hüller empfand ich in ihrer Rolle als Fehlbesetzung. Ihre Darstellung wirkte auf mich nicht passend und konnte mich emotional nicht erreichen.

„Cape Fear“: Javier Bardem auf Rachefeldzug

Es gibt Klassiker, die man besser unangetastet lässt. „Cape Fear“ gehört dazu. Nach der Verfilmung von 1962 und Martin Scorseses furiosem Remake von 1991 versucht sich Apple TV+ nun an einer zehnteiligen Neuinterpretation. Trotz großer Namen vor und hinter der Kamera bleibt die Serie jedoch weit hinter ihren Vorbildern zurück.

Dabei klingt die Besetzung vielversprechend: Javier Bardem übernimmt die Rolle des psychopathischen Max Cady, Amy Adams spielt die Anwältin Anna Bowden, Patrick Wilson ihren Ehemann Tom. Produziert wird die Serie ausgerechnet von Martin Scorsese und Steven Spielberg – zwei Filmemachern, die den Stoff bestens kennen.

Doch schon nach wenigen Folgen zeigt sich das Grundproblem: Die Serie verwechselt psychologische Tiefe mit permanenter Überzeichnung. Wo Robert Mitchum und später Robert De Niro ihre Bedrohlichkeit durch Präsenz und Zurückhaltung entwickelten, wirkt Javier Bardems Max Cady über weite Strecken wie eine Karikatur seiner Vorgänger. Er darf laut sein, exzentrisch auftreten und ständig dominieren – wirklich unheimlich wird er dabei jedoch nie.

 

Auch Amy Adams und Patrick Wilson können ihre Figuren kaum retten. Beide gehören zu den besten Schauspielern ihrer Generation, doch das Drehbuch lässt ihnen wenig Raum. Anna und Tom Bowden wirken erstaunlich eindimensional, ihre Ehe bleibt emotional distanziert. Überhaupt fällt es schwer, mit irgendeiner Figur mitzufühlen. Fast jeder Charakter handelt egoistisch, unsympathisch oder schlicht irrational. Dadurch verliert die Geschichte ihren emotionalen Kern.

Hinzu kommt der Drang, den Stoff um jeden Preis zu modernisieren. Neue Handlungsstränge, gesellschaftliche Kommentare und überraschende Wendungen sollen den Klassiker zeitgemäß erscheinen lassen. Doch viele dieser Ideen wirken aufgesetzt und lenken vom eigentlichen Katz-und-Maus-Spiel ab. Die Serie verliert sich in Nebenhandlungen, statt die beklemmende Spannung aufzubauen, die beide Kinofilme ausgezeichnet hat.

Handwerklich gibt es wenig zu kritisieren. Die Kameraarbeit ist hochwertig, die Ausstattung edel und die Bildsprache atmosphärisch. Apple liefert einmal mehr eine Produktion auf höchstem technischen Niveau. Doch schöne Bilder ersetzen keine packende Geschichte.